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El olor a marihuana es el aura veraniega de Nueva York. Espirales empalagosamente dulces se enroscan en los bloques residenciales, impregnan la vegetación y flotan alrededor de las escaleras y los bancos de los parques. Esta se ha convertido en la ciudad que nunca está completamente alerta. Por eso es apropiado que el Museo Judío también esté viviendo un momento que altera la mente, logrado a través de extremos psicodélicos de color. Desbordamiento, resplandor: nuevo trabajo en figuración cromática Se entrega a una paleta de colores fluorescentes, formas mágicamente maleables, patrones rococó, efectos ópticos y algunas pizcas de surrealismo. Todo eso te dejará agradablemente drogado, o lo estaría si los curadores no insistieran en convertir la experiencia en un fastidio.
Uno puede pasearse alegremente por las galerías, disfrutando de la alegre atmósfera de kitsch, la profusión de fucsias, lavandas y rojos intensos. Hay peores formas de pasar una tarde de sopa, o de escapar de los horribles titulares y del lúgubre caos político, que sumergirse en estas ensoñaciones fluorescentes. Los aficionados a la historia recordarán otras épocas de sobredosis cromática: los fauves, por ejemplo, que dieron al mundo urbanizado una dosis de salvajismo. También estaba la pseudoinocencia inexpresiva del arte pop, las exuberantes y caleidoscópicas portadas de álbumes de finales de los años 60 y los tonos premezclados de aerosol del arte callejero.
Cada uno de estos movimientos se burlaba del establishment de la franela gris de su tiempo, violando alegremente los principios heredados del buen gusto. Esta vez, la agenda subversiva es menos convincente. Las comisarias Liz Munsell y Kristina Parsons han convocado a siete virtuosos prismáticos que transforman la figura humana mediante diversas formas de ostentación, o lo que ellas llaman “color sobrenatural y luminiscencia sobrenatural”. Y así notamos los tonos sandía en el autorretrato desnudo de Sasha Gordon antes de registrar otra presencia, el amante sin rostro que oscurece –y atiende– sus partes privadas.
Vista de esta manera, con espléndida superficialidad, la muestra es refrescantemente sensual y veraniega, el equivalente museístico de uno de esos omnipresentes aperitivos de neón. Pero, después de todo, se trata de un museo y los curadores no están dispuestos a dejarlo así. En cambio, el texto introductorio prepara a los visitantes para lo que viene con una declaración de misión increíblemente lúgubre. “En un momento de profunda reconsideración de los cánones y las instituciones, esta presentación reflexiona sobre cómo el color ha sido visto como un elemento ajeno, percibido como emocional, subjetivo y secundario en importancia. Los artistas en Desbordamiento, resplandor “Abraza el color para oponerte a esas jerarquías”.
Como veis, estos superhéroes del color no se limitan a coger los tubos de pintura más brillantes, sino que ¡están transgrediendo! ¡Desafían los límites! Invocan “horrores cotidianos”. Los textos explicativos levantan la habitual nube de polvo de temas (identidad, herencia, género, migración), cubriendo el contenido de un beige uniforme. Estos siete luchadores por la libertad que se oponen a los convencionalismos supuestamente “frustran las interpretaciones reduccionistas”, excepto, presumiblemente, la interpretación reduccionista de los comisarios.
Disney se encuentra con Tiepolo en el frente de una tarjeta de felicitación del tamaño de una pared en la empalagosa canción de Sara Issakharian “Y cada momento un verano entero”. Las figuras en tonos de helado se agolpan entrañablemente unas sobre otras. El Pato Donald, Dumbo, varias combinaciones de Madonna y el niño, algunas diosas carnosas, ángeles, caballos, putti hinchados y un enorme perro verde con manchas (que se parece a un caimán) bailan estridentemente, llenando el lienzo en una fiesta de múltiples especies.
Parece una fiesta divertida, pero no. Según nos han informado, Issakharian es una inmigrante de origen judío iraní, de modo que es precisamente de eso de lo que la obra tiene que tratar para adquirir cierta respetabilidad y profundidad. El caos compositivo, que parece lúdico, aunque simplista, debe leerse como una metáfora de su sentido de “ubicación, inquietud e incertidumbre”.
Es difícil saber, en este momento, si los artistas sienten el peso de estas reglas cuando se ponen a trabajar o las aplican después, o si los curadores ahora consideran que es su trabajo erigir una barrera entre lo que los creadores tenían en mente y lo que los espectadores pueden ver claramente. Cualquiera sea el mecanismo, los imperativos del arte serio interfieren seriamente.
Aquí tenemos otra obra engañosamente alegre: “(last)Bacchanal(pity party)” de Austin Martin White, una nueva versión de “Bacchanal” de Bob Thompson de 1964. Un ritual dionisíaco se está descontrolando, convirtiendo una orgía en una pelea, la desinhibición en salvajismo. Se alzan copas en celebración, o tal vez se las blande como armas. Un hombre se desploma en el suelo, protegiéndose la cabeza con una mano. Una jarra volcada derrama vino o sangre, la pantalla de un teléfono inteligente se agrieta. En medio de todas las salpicaduras eléctricas de pigmento y la acción vertiginosa, el pobre Bob Esponja se desparrama indefenso, sin su sonrisa, ojos saltones y dientes salientes, y esa famosa tez amarilla ha sido decolorada hasta un bronceado enfermizo.
Todo esto aparentemente tiene algo que ver con las representaciones etnográficas de los pueblos indígenas de Brasil que realizó Albert Eckhout en el siglo XVII. La mezcla de mito y mundanidad que White hace es llamativa pero vacía, o está tan llena de referencias que es difícil saber qué es lo que importa.
Si hay un espíritu que preside estas galerías, ese es Salvador Dalí. Las detalladas pesadillas, las percepciones distorsionadas y la rareza cultivada de su estilo proporcionan una base sólida para el toque final de deslumbramiento. La escultura de yeso pintado “Trombo” de Ilana Savdie es precisa pero derretida, un cerebro o algún otro órgano apoyado sobre una varilla de acero que se descompone rápidamente por un ejército de mohos mucilaginosos.
No menos meticulosa, pero más abstracta, Rosha Yaghmai trabaja con sombras y recuerdos, la pulsación que deja una figura brillantemente iluminada que ha abandonado el escenario. Creó su serie “Afterimage” (Imagen posterior) aplicando pintura con aerógrafo sobre tela translúcida, lo que produce campos de brillo y desenfoque. La sugerencia de una presencia humana permanece, pero lo que activa estas obras es la sensación de que cambian de apariencia cuando el espectador cambia de posición o simplemente las mira por un rato, dejando que los tonos se impriman en la retina.
Ahora que lo pienso, no es una mala técnica para ver la muestra entera: simplemente seguir mirando el arte hasta que las palabras que lo describen desaparezcan irremediablemente del foco.
Hasta el 15 de septiembre, thejewishmuseum.org
