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Cuando el Museo de Brooklyn en Nueva York organizó El auge de la cultura de las zapatillasEn 2015, una exposición dedicada a las zapatillas de deporte causó revuelo. Los museos de arte ya organizaban cada vez más exposiciones de moda, pero las zapatillas de deporte eran otra historia.
“Intelectualmente ligero”, opinó el New York Times en su reseña, que finalizó con la siguiente observación: “A los fanáticos de las zapatillas probablemente no les importe, sin embargo. Para ellos, la exposición debería ser una maravilla”.
A medida que los museos luchan por lograr relevancia cultural y atraer a un público más joven y diverso, han adoptado todas las formas de cultura pop, incluida la moda, difuminando las fronteras entre arte, entretenimiento y comercio. Y a medida que la moda ha adoptado un giro más urbano (zapatillas y Sudaderas con capucha Hoy en día, las colecciones de la mayoría de las marcas son habituales, al igual que los museos. El mes que viene se inaugurará en el Museo de Diseño Vitra en Weil am Rhein, Alemania. Nike: La forma sigue al movimientola primera exposición de un museo dedicada a la marca, que abarca su ascenso desde una empresa emergente hasta un fenómeno mundial de ropa deportiva.
Cuando en el siglo XIX comenzaron a formarse los museos nacionales de arte, su misión era educar al público. El arte se consideraba una expresión del orgullo nacional y una de las piedras angulares de la civilización, cuya protección se encomendaba a los museos. Hoy, esas nociones parecen terriblemente pintorescas.
A medida que la financiación pública empezó a escasear en los años 60, los museos de arte se vieron obligados a buscar nuevas formas de inyección de capital. Atraer nuevos públicos mediante exposiciones que agradaran al público se convirtió en un factor clave.
En 1963, multitudes de curiosos acudieron al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York para ver la “Mona Lisa”, prestada por el Louvre. El dinero llegó en grandes cantidades y otros museos tomaron nota. Como señaló el crítico de arte Robert Hughes en su documental de 2008 La maldición de la Mona Lisa“La gente no venía a mirarla, sino a decir que la habían visto”. Sea como fuere, la exposición batió todos los récords de asistencia y la mantuvo hasta 1978, cuando el Met montó otro vehículo pop, Los tesoros de Tutankamón.
La exposición del artista japonés Takashi Murakami en el Museo de Brooklyn en 2008 fue otro momento simbólico. Su principal patrocinador fue Louis Vuitton, cuyo director creativo en ese momento, Marc Jacobs, colaboró con Murakami en una colección de bolsos. A cambio de su generosidad, algunos de esos bolsos se exhibieron en el museo, no en su tienda, sino junto con el arte de Murakami. Para celebrar el lanzamiento, Louis Vuitton organizó una fiesta en el recinto del museo, que presentó puestos de imitación de Canal Street y Chinatown, donde los asistentes podían comprar bolsos LV auténticos como si fueran falsos.
Hoy en día, la moda se ha convertido en una forma de entretenimiento, con desfiles de gran éxito que atraen a decenas de celebridades, cuyas elecciones de moda son analizadas sin cesar por los comentaristas de Internet. Y donde va la cultura pop, también van los museos de bellas artes.
Los críticos de arte pueden despreciar las exhibiciones de moda, pero atraen visitantes; el récord de asistencia que la exhibición del Rey Tut mantuvo durante 39 años finalmente se rompió en 2018. Cuerpos celestiales: la moda y la imaginación católicaSegún el Met, cinco de las diez exposiciones más visitadas en la historia del museo han sido organizadas por su Instituto de Vestuario, que se centra en la moda y el diseño de vestuario.
Los museos de hoy necesitan todo el público que puedan conseguir. Según Natasha Degen, autora de Comerciantes de estiloun libro sobre la intersección entre el arte y la moda, los museos de arte ahora tienen que competir no solo entre sí, sino con megagalerías como la Gagosian, museos construidos por marcas de moda como la Fondation Louis Vuitton y la Fondazione Prada, y varias exhibiciones “inmersivas”. Tal vez también vean como competidores a los museos dedicados al diseño, donde las exhibiciones de moda tienen más sentido.
No es que los museos carezcan de visitantes: según la Alianza Americana de Museos de Estados Unidos, los museos reciben más visitantes que todos los eventos deportivos juntos, pero pocos de ellos son jóvenes y de origen minoritario. Un informe de 2010 encargado por el Centro para el Futuro de los Museos, una rama de investigación de la Asociación Americana de Museos, mostró que, si bien las minorías representaban el 34 por ciento de los estadounidenses, solo el 9 por ciento de ellas asistía a museos. De ellos, los hispanos y los negros estaban especialmente subrepresentados.
Los museos esperan ampliar la demografía de los visitantes con exposiciones dedicadas a las zapatillas, los diseñadores de ropa urbana y los artistas relacionados con la moda urbana. El Museo de Brooklyn, famoso por los bolsos LV, ha liderado el camino. Además de El auge de la cultura de las zapatillas En 2015 ha realizado espectáculos como KAWS: ¿Qué fiesta? en 2021, presentando un conjunto de trabajos del grafiti convertido en artista plástico, y Virgil Abloh: “Figuras retóricas” en 2022, que traza el arco de la carrera multifacética del difunto diseñador.
Hoy en día, las exposiciones centradas en la moda urbana viajan con avidez por todo Estados Unidos. La exposición de Abloh, que se originó en el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago (MCA) en 2019, viajó al Atlanta High Museum antes de terminar en Brooklyn (y finalmente viajó a Doha en los Emiratos Árabes Unidos). Cultura de las zapatillas La exposición también viajó a Atlanta High, que en 2017 albergó una instalación de Daniel Arsham, un diseñador de interiores convertido en artista muy conocido en los círculos de la moda urbana, que ganó notoriedad por diseñar interiores para Kith, el templo minorista de la moda urbana de Nueva York. El año pasado, el Museo de Arte del Condado de Orange, en el sur de California, presentó otra exposición de Arsham.
Figuras como KAWS, Arsham y Murakami son ejemplos de figuras influyentes que incursionan tanto en la moda como en el arte, que atraen a un público más amplio y al mismo tiempo tienen la legitimidad cultural que permite a los museos desviar las acusaciones de estándares bajos.
Puede que sea discutible si las zapatillas de deporte deberían estar en un museo de arte o no, pero no lo es el hecho de que atraigan visitantes. Madeleine Grynsztejn, directora del MCA, confirmó que la exposición de Abloh fue la tercera más concurrida en la historia del museo. La primera fue la de Murakami y la segunda la de David Bowie, según el museo.
La exposición de Abloh también incluyó una gran cantidad de productos que Abloh desarrolló para la tienda del museo, lo que para algunos generó más interés que la exposición en sí y ayudó a aumentar los ingresos del MCA. “La línea entre el comercio y el arte siempre ha sido delgada”, dice Grynsztejn. Tal vez. Pero ¿qué pasa con la línea entre el arte y el entretenimiento?
“Los museos solían describir su misión como la de pastorear y mantener el patrimonio cultural”, dice Degen. “Y ahora la mayoría de los museos definen su misión como la de atraer al público”. Algo en lo que pensar cuando haces cola para ver los trajes de Taylor Swift en el Victoria and Albert Museum de Londres.
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