Arte británico-caribeño en la Tate Britain: un lío brillante, animado y ruidoso

En la película de Isaac Julien Paraíso omeros, un apuesto joven camarero llamado Achille se mueve entre sombrillas en la playa de Santa Lucía y una urbanización brutalista en Londres. Camina por la arena, fiestas al ritmo de The Paragons «La marea esta alta”, Se esconde detrás de una columna como una sombra en un laberinto de hormigón oscuro, flota sobre las olas en una luz cegadora. La fuente es Homer, a través de “Omeros” de Derek Walcott: “Le canté al tranquilo Achille, el hijo de Afolabe / que nunca subió a un ascensor / que no tenía pasaporte, ya que el horizonte no necesita ninguno / nunca mendigó ni pidió prestado, no era mesero de nadie”. En la película, como en el poema, el océano fluye y refluye, como la identidad: híbrido, tenso, soñador, evasivo.

Achille es el hombre común del nuevo espectáculo multimedia de Tate Britain Vida entre islas. El subtítulo es Arte caribeño-británico Década de 1950 hasta ahora, y los temas declarados, comenzando con el “papel de la cultura en la descolonización” y las “luchas sociopolíticas que enfrentan los caribeños-británicos”, suenan serios, como un libro de texto de sociología. Afortunadamente, gran parte del arte es más brillante, más animado y, a veces, más divertido que eso.

El cuadro de Denzil Forrester «Jah Shaka», que representa a una multitud animada por un carismático DJ, vibra como un club nocturno de dub reggae. “Exodus” de Steve McQueen, un video granulado, silencioso y de un minuto que sigue a dos hombres caribeños elegantemente vestidos negociando un par de grandes palmeras en macetas por las calles de Shoreditch, al este de Londres, es una conmovedora comedia de dislocación. “Johanaan” es una figura estilizada de olmo con una cabeza enorme y misteriosa y superficies de vetas de madera exquisitamente arremolinadas de Ronald Moody, un dentista jamaicano que se convirtió en escultor, autodidacta y original, después de visitar las antigüedades egipcias del Museo Británico.

Esta es una exhibición grande, holgada y ruidosa, tan diversa y, a veces, confusa como la identidad multicultural misma, llena de voces en competencia. Es difícil leer de manera lineal, los subtítulos son pesados ​​y realmente tienes que encontrar tu propio rastro, pero hay muchos que son envolventes y fascinantes. Y en estos cortos días de invierno en Londres, la inundación de colores tropicales y calidez te atrae.

En «Kaieteurtoo», Frank Bowling vierte y gotea ámbar y rosa, lima y naranja, mojado sobre mojado, sobre un lienzo de dos metros; la pintura, que evoca la luz que atrapa la corriente de un torrente, lleva el nombre de una cascada en Guyana. Un mar púrpura cambia de luminoso a opaco en Peter DoigTormentoso «Moruga». Rayas de un verde exuberante rodean una piscina de mar azul profundo, bordeada de palmeras, en Hurvin Anderson“Maracas III”.

El color chilla desde el suelo hasta el techo en la impresión de vinilo carmesí de Sonia Boyce «Shaggy Bear», que recubre el centro del escenario de una galería, y en Michael McMillan“The Front Room”, la instalación íntima de la sala de estar: una llamativa gloria de papel tapiz dorado, alfombras estampadas, tapetes de ganchillo, pergaminos de terciopelo, flores de plástico, fotografías nostálgicas. En las décadas de 1960 y 1970, McMillan creció en una habitación de este tipo, basada en el salón victoriano, que según él «me causó mucha angustia estética», pero atestiguaba el esfuerzo de los llegados de Windrush por la respetabilidad, la complicada construcción de la identidad de la diáspora.

Fueron los niños de esta generación quienes desafiaron en el arte la dura realidad de que como inmigrantes “caminaron hacia un racismo serio. . . en una jungla urbana congelada ”, como describe el fotógrafo Armet Francis. Pasó de ser «un niño sonriente» en Jamaica a un escolar del sur de Londres acosado. Más tarde consiguió un trabajo en un estudio de fotografía comercial y en 1973 tomó la imagen dinámica y alegre que es la portada del catálogo de Tate: debajo de un paraguas, una modelo negra con pantalones acampanados malva y lentejuelas ilumina la calle gris y húmeda en “Fashion Shoot, Brixton Mercado».

Los negros nunca han tenido personalidad, fuerza, siempre mirando hacia abajo. Eso no es lo que quería que parecieran mis sujetos

Francis se dio cuenta de que “no había historia de fotógrafos negros en Inglaterra. Decidí hacer imágenes en negro, para capturar cómo se desempeñan las personas negras en una determinada lengua vernácula «. Sus retratos directos e incisivos y los de sus colegas: Neil Kenlock, que narra el movimiento Black Panther; Primeros planos cristalinos de Charlie Phillips de parejas de razas mixtas en Notting Hill; Horace Ové, en las reuniones de protesta en Camden, forma un espectáculo magnífico dentro de un espectáculo. Documentan el racismo rutinario – la elegante mujer negra de Kenlock en una puerta de entrada de Balham pintada con «Keep Britain White» – y la resistencia, y celebran la fotografía como un ecualizador. “Los negros nunca han tenido personalidad ni fuerza, siempre miran hacia abajo”, dice Kenlock. «Eso no es lo que yo quería que parecieran mis sujetos».

La pintura siguió la misma trayectoria de formas más complejas y matizadas; para mí, esta es la línea más convincente que atraviesa la exposición. Comienza con Aubrey Williams, que llegó a Londres en 1952; sus abstracciones comparten la paleta mayoritariamente apagada y la tensión abstracta / figurativa de la pintura británica de posguerra. Pero la forma recurrente de Williams, por ejemplo en “Tribal Mark II” y “Sun and Earth II”, es particular: una garra parecida a un hueso, un elemento en la imaginería warao amerindia que el artista conocía de la selva tropical de Guyana. Williams lo llamó «una forma extraña, muy tensa y ligeramente violenta»: evoca aves, depredadores, migración.

Mientras tanto, su Bowling contemporáneo adaptaba la abstracción del campo de color para incluir mapas borrosos de África, o en “Who’s Afraid of Barney Newman”, reinterpretando las composiciones “zip” de Barnett Newman como la bandera africana. Y, a los 18 años, Paul Dash, otro artista de Windrush, pintó bailarines de negro, un flujo de brazos y piernas en tonos salpicados bajo un techo abovedado, en la hermosa y sickertista “Dance at Reading Town Hall” (1964).

“El arte figurativo ha muerto”, fue reprendido en Chelsea College. Dash no se atrevió a volver a él hasta 1979 con el deslumbrante «Autorretrato», tonalmente oscuro pero animado por un fez dorado (en realidad, un rollo improvisado de papel amarillo). Dash recordó los pocos retratos negros que conocía entonces; Gauguin fue su guía para modelar en tonos oscuros, ocres y rojos que “acariciaban” el cuerpo negro.

Veinte años después, Chris Ofili se convirtió en el primer ganador del premio Turner negro. La belleza es deslumbrante en Ofili, a menudo intensificada por una resaca amenazante, como en los arlequines fugitivos «Blue Riders» y «Blue Devils», derivados de la tradición caribeña del carnaval. Junto a la exposición, en la colección permanente de Tate, se encuentra la obra maestra de Ofili, «No Woman, No Cry» (1998), que incorpora purpurina y estiércol de elefante, con el título de la canción de Bob Marley y que representa a Doreen Lawrence, cuyas lágrimas formaron un collage de fotografías de ella. hijo asesinado Stephen. Esto marcó un gran avance en el lenguaje independiente y la confianza en la pintura negra: una icónica mujer negra que llora.

El collage, una forma de fusión, es potente como una capa de memoria colectiva en pinturas relacionadas con la identidad y la pertenencia. Transfiera imágenes de fotografías de periódicos y revistas de hombres y mujeres negros que construyen las paredes y el mobiliario.

En Njideka Akunyili CrosbyEl interior ficticio, exhibido a escala monumental en 2018 en la estación de metro de Brixton, imagina a familiares y amigos, relajados, seguros, en una sala de estar moderna y luminosa. La historia y la injusticia actual no se borran – en la pantalla de televisión se revelan las noticias de las deportaciones de Windrush – pero la atención del grupo está en el futuro: el niño animado en el centro de la composición. El punto es la comodidad ordinaria. Esta pintura concluye la exposición; se llama «Permanecer, prosperar».

1 de diciembre al 3 de abril de 2022, tate.org.uk

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