La feria Design Miami es maximalista, colorida y provocativa

Dos semanas antes de que Design Miami abra sus puertas a los VIP el 29 de noviembre, Rudy Weissenberg de AGO project tiene cajas llenas de muebles y objetos, listo para ser enviado desde su galería en la Ciudad de México. AGO es la única galería contemporánea latinoamericana que participa en la feria, pero para Weissenberg es el lugar más obvio para estar.

“Design Miami se siente más joven y experimental que otras ferias, y en línea con nuestros objetivos en AGO”, dice Weissenberg. “Se ha convertido en un lugar donde la gente se arriesga, lo que creo que estamos haciendo hasta cierto punto”.

Weissenberg, quien es de Guatemala, abrió el espacio en la Ciudad de México en 2019 con su socio, Rodman Primack, quien fue director ejecutivo de Design Miami entre 2014 y 2019. Su objetivo es trabajar con diseñadores locales y explotar las posibilidades de los pequeños talleres de México y fábricas. “Puedes hacer cualquier cosa aquí”, dice Weissenberg.

En las cajas AGO hay diseños de Fabien Cappello, francés pero residente de Guadalajara en México, quien ha creado mesas con cubiertas de azulejos de colores dulces con una compañía que alguna vez suministró mosaicos a los maestros modernistas de México. En un proyecto de colaboración con la empresa de Guadalajara Cerámica Suro, conocida por sus ambiciosas colaboraciones con artistas como Jorge Pardo, Cappello también diseñó metros de azulejos para cubrir las paredes y el piso del stand. “Vamos por una inmersión total”, dice Weissenberg. “Hay color y humor y un poco de absurdo. Nos volvemos completamente maximalistas en Miami. Es una provocación”.

A lo largo de sus 18 años, la feria ha establecido una reputación de gran energía audaz y ventas a la altura. “La primera vez que mostramos piezas de Chris Schanck y Misha Kahn aquí, en 2016, las entradas se agotaron de inmediato”, dice Marc Benda, de la galería neoyorquina Friedman Benda, refiriéndose a dos diseñadores estadounidenses radicales. La oferta de Schanck fue una mesa del tamaño de un monstruo cubierta con un acabado metálico brillante; Kahn’s, un enorme gabinete de forma irregular en hierba y vidrio encontrado, hecho con cesteros en Suazilandia.

“Se trata de la psicología de la feria”, dice Benda. “Los coleccionistas vienen esperando quedar impresionados con el nuevo trabajo. Puede que sean los mismos clientes que vienen a Basilea en junio, pero aquí tienen una mentalidad diferente. Saltan directamente”. Este año, el stand de Benda incluirá el trabajo de Darren Romanelli, que proviene del mundo de la moda y que ha estado acumulando y reciclando los desechos de nuestros consumidores en ropa, y ahora en muebles, durante 20 años.

El maquillaje de Design Miami se centra más en el trabajo contemporáneo, mucho del cual es completamente nuevo. («Nada de frijoles refritos», dice Benda.) Incluso galerías como Moderne de Filadelfia, especialistas en el arte de estudio venerado de George Nakashima (quien murió en 1990 y cuyas mesas de nogal con bordes toscos pueden costar $300,000), está mezclando piezas frescas de Miriam Carpenter, alumna del taller de Nakashima, y ​​la cerámica tipo papel de Tomomi Tanaka.

“Hay muchos desarrolladores aquí. Muchos restauradores y hoteleros. Muchas segundas residencias”, dice la directora ejecutiva de la feria, Jen Roberts, sugiriendo que una audiencia local ayuda a cimentar la viabilidad de Design Miami, junto con la multitud de artistas internacionales que acuden a la ciudad para asistir a Art Basel y sus otras ferias marginales. (Se espera que hasta 40,000 visitantes pasen por Design Miami durante sus seis días).

Khaled El Mays, un diseñador de Beirut de 37 años, presenta su nuevo Loto serie: mesas de mármol sobre bases elaboradamente talladas y estriadas que hacen referencia tanto al antiguo Egipto como al Art Deco en sus detalles (en exhibición en la galería Nilufar de Milán). “Son piezas de alto precio y necesitan un espacio amplio o un entorno al aire libre”, dice. “Son Miami”.

Sin embargo, Roberts subraya que la feria debe ser “una plataforma para una variedad de voces”. Roberto Lugo, un alfarero de origen puertorriqueño de Filadelfia, conocido por sus cerámicas que detallan la cultura hip-hop y la experiencia de los inmigrantes, está aprovechando un lado bastante diferente de la identidad de Miami. “Mi padre solía tener una bodega en Filadelfia”, dice. “Y estoy girando el soporte en [New York gallery] R+Co en una tienda”. Más tienda de regalos que abarrotes, los estantes de Lugo estarán repletos de mantequeras con forma de trenes subterráneos, dispensadores de café en forma de torres de agua y paragüeros pitbull. “Estas piezas son un retrato de mi comunidad de clase trabajadora. La cerámica es un medio de comunicación interesante y directo”.

Lugo también ofrecerá una charla con el músico Erykah Badu, quien lo descubrió a través de su obra. “Ella vio tristeza en ello”, dice Lugo. “Así que vamos a hablar sobre kintsugi, la técnica japonesa de reparar cerámica con laca mezclada con oro en polvo, donde el acto de reparación se muestra claramente. Ambos lo vemos como una metáfora de nuestra propia transparencia sobre las luchas que hemos tenido”.

Karen Grimson es la curadora que se ocupa de la colección de arte y diseño de Dacra, la empresa inmobiliaria fundada por Craig Robins en Miami hace 35 años y que fue fundamental en la creación del Design District de Miami. Si bien ni el Distrito del Diseño, con sus tiendas de lujo y restaurantes elegantes, ni la feria en sí incluyen a la comunidad más amplia de Miami, Grimson, que es argentino, cree que la composición de la colección de arte de Dacra refleja la naturaleza multicultural de la ciudad y una apertura punto de vista: Robbins realizó adquisiciones tempranas de artistas negros, femeninos, queer y asiáticos que son buscados en la actualidad. “Esta ciudad es un tejido ecléctico de personas de todo Estados Unidos, el Caribe y América Latina”, dice. “Es político en su porosidad y diversidad. Afecta lo que haces aquí y cómo piensas”.

Germane Barnes es la diseñadora encargada este año de realizar las intervenciones anuales durante la feria fuera de la carpa Design Miami y en todo el Design District. Es la primera vez que se le da la oportunidad a un residente de Miami y la segunda vez a un diseñador afroamericano. “Era importante para mí hacer que el trabajo arraigara en la comunidad que realmente construyó Miami”, dice Barnes, arquitecto y cineasta que es profesor asistente de arquitectura en la Universidad de Miami. Ha creado esculturas de colores brillantes, llenas de fideos de espuma, que la gente puede meterse dentro. Una barra de acero de 300 lb les permite balancearse hacia adelante y hacia atrás.

“Este proyecto es una carta de amor a la ciudad y su gente, un tributo al carnaval”, dice Barnes. “Entras y te ves como si estuvieras usando un atuendo de carnaval loco”. Decoraciones en forma de tambores de acero colgarán de los árboles; una enorme bola de discoteca cortada por la mitad funcionará como escenario. “Esto es para la gente”, dice el hombre de 37 años, originario de Chicago y cuyo trabajo explora el valor que el diseño puede aportar al espacio cívico y doméstico. “No necesitas saber sobre diseño elegante o comprar un bolso de Bottega Veneta para divertirte en un rockero, para sentir que perteneces”.

30 de noviembre-4 de diciembre, diseñomiami.com