¿Qué sucede cuando el arte y la ciencia chocan? PST Art en Los Ángeles tiene la respuesta

Han pasado 65 años desde que el escritor y científico británico CP Snow pronunció su famosa conferencia en Cambridge sobre “Las dos culturas”, en la que lamentó la aparente división intelectual entre las humanidades y las ciencias. El ambiente de la conferencia y del libro posterior fue apagado, rayando en lo sombrío. “Parece que. . . «No hay lugar donde se encuentren las culturas», escribió Snow, citando sus experiencias personales de conversaciones estériles en la Mesa Alta en su universidad de Cambridge. “No voy a perder el tiempo diciendo que esto es una lástima. Es mucho peor que eso”.

Avancemos hasta la actual Los Ángeles, donde la tesis de Snow está siendo sometida a una improbable prueba de estrés multimillonaria. Viene en forma de PST Arte: Arte y ciencia chocanuna serie colaborativa de exposiciones de meses de duración en todo el sur de California, en la que participan más de 70 galerías y unos 800 artistas, que se inaugura este mes.

El ejercicio financiado por la Fundación Getty, que comprende subvenciones por valor de 20 millones de dólares, aporta una sorprendente diversidad de obras y temas a la exploración del debate sobre las dos culturas. ¿Es posible que las artes y las ciencias avancen de manera constructiva o están condenadas a una irreconciliabilidad permanente? Mientras que las melancólicas observaciones de Snow parecen impregnadas de la claustrofobia de la sala común de estudiantes de último año y centradas en la literatura, Hora del Pacífico: Arte encuentra motivos para una perspectiva más alegre, a través de una serie de deslumbrantes espectáculos de arte visual.

«El título fue una provocación», afirma Joan Weinstein, directora de la Fundación Getty. “En parte fue para llamar la atención del público y lograr que hicieran esa pregunta: ¿no? [art and science] en realidad chocar? Y verá que aquí se ofrecen varias interpretaciones y respuestas. La opinión general de la comunidad es que, por supuesto, desde hace mucho tiempo tienen algo que ver entre sí. Pero hubo esta ruptura que se creó [by Snow’s book]. Era una especie de mitología que ha tenido un arraigo sorprendente durante mucho tiempo”.

Hay algunas áreas bien conocidas de colaboraciones mutuamente gratificantes: una de ellas se explora en la radiante exposición del Museo de Arte de Palm Springs. Partículas y ondas: abstracción y ciencia del sur de California 1945-1990, que explora la influencia de la tecnología de la era espacial en la pintura y la escultura. Las imágenes y los acabados altamente pulidos utilizados en la tecnología aeroespacial local tuvieron un efecto poderoso en los artistas de la época.

La elegante y sutil escultura de Frederick Eversley “Sin título (Negro)” (1978), hipnótica por su densa opacidad, debe mucho a la formación del artista como diseñador de laboratorios para las misiones Gemini y Apollo de la NASA a finales de los años sesenta. Sus experimentos estaban inspirados matemáticamente; Pocos artistas de la época sabían qué era una lente parabólica cilíndrica plano-cóncava, y mucho menos cómo hacer una y convertirla en algo hermoso.

La cocuradora Sharrissa Iqbal explica que el expresionismo abstracto de la costa oeste se inspiró en el clima de experimentación científica. «Se trata menos de emoción interior que de física atómica», dice. “[The Californian minimalist painter] John McLaughlin se diferenciaba de los pintores de la costa este diciendo que se expresaban en sus pinturas, mientras que él quería que los espectadores vieran la obra primero que nada, y luego miraran hacia adentro y se vieran a sí mismos”.

En el Centro de Artes de la UCR, en Captura digital: el sur de California y el mundo de las imágenes basadas en píxeles, Hay ejemplos de pruebas digitales tempranas que fueron inspiradas científicamente, pero que casualmente despertaron el interés de artistas locales. “Sabían que algo estaba sucediendo en el Laboratorio de Propulsión a Chorro y en la NASA, y dijeron: ‘Oye, ¿qué están haciendo esas personas y cómo puedo entrar en ese laboratorio?’”, dice Douglas McCulloh, quien concibió el espectáculo.

Una vez dentro de la acción, hubo conflicto más que colusión, dice. “Hay una correspondencia hilarante de científicos que básicamente preguntan: ‘¿Qué diablos están haciendo aquí? ¡Esto es un mal uso de nuestra tecnología!’ Pero realmente no sabían cómo aprovechar lo que estaban creando ni qué hacer con ello”. Los artistas, por otro lado, quedaron cautivados por la inmediatez, e incluso por los fallos sobrenaturales, de la naciente tecnología digital.

El exitoso espectáculo de Arte PST está en el propio Centro Getty y ofrece una visión ricamente histórica de la obsesión del arte por la luz. Lumen: el arte y la ciencia de la luz profundiza en la teoría científica medieval y renacentista, y en cómo se entrelazaba con las creencias teológicas de la época. Fue una época en la que la geometría y la filosofía estaban hermanadas de forma innata, y sus artistas respondieron con una originalidad y habilidad impresionantes.

El pináculo de un retablo de Giotto del siglo XIV muestra dos ángeles a cada lado de Dios, que miran hacia él usando marcos de vidrio oscurecidos, un recordatorio simbólico de nuestra incapacidad para percibirlo. En una ilustración de El milagro del monte Gargano, poco después de 1053, un arquero tira de la cuerda de su arco sólo para que la flecha entre en su propio ojo. Lo que parece cómico para el espectador del siglo XXI tiene una humilde explicación alegórica: es la flecha de la verdad que invade su cuerpo, permitiendo que su alma adquiera una visión espiritual.

Entre las pocas obras contemporáneas que se encuentran en este festín de imágenes se encuentra “Non-Object Black” (2018) de Anish Kapoor, recubierta con “Vantablack”, el material más oscuro que conocemos, que absorbe el 99,965 por ciento de la luz visible y reduce drásticamente nuestra capacidad. percibir profundidad y textura. He aquí otra interpretación de lo incognoscible, una ciencia desplegada no para aclarar sino para retratar la trascendencia. Quizás no sea tan diferente de los esfuerzos artísticos de hace 1.000 años. ¿Se ha convertido la ciencia en la nueva religión?

Una presencia vibrante en Arte PST es el de la tecnología autóctona, que se basa en la tradición y la continuidad, más que en la necesidad constante de innovar. En Sangre del Nopal En el Museo Fowler de UCLA, los artistas mexicano-estadounidenses Tanya Aguiñiga y Porfirio Gutiérrez transmiten poderosos mensajes ecológicos utilizando fibras y tintes naturales, incluida la cochinilla, un pigmento rojo derivado de un pequeño insecto que ha sido utilizado por el pueblo zapoteca desde aproximadamente el año 500 a.C.

Sin embargo, es el trabajo contemporáneo de Aguiñiga el que más capta la atención: “Ejercicios de comprensión” (2020) utiliza óxido pulverizado de la valla fronteriza entre Estados Unidos y México, otro tinte natural, para dibujar una escalera de color rojo sangre sobre una amplia tira de algodón. serpenteando sin sentido por la pared de la galería. “Sentimos que no tenemos derecho a la imaginación”, me dice sobre la precaria situación sociopolítica de su pueblo. “Es muy duro y muy triste. Pero es muy importante para nosotros que el mundo entero sepa que estamos aquí”.

Weinstein describe el número de proyectos indígenas propuestos para su inclusión en Arte PST como una “maravillosa sorpresa”. Una de las cosas en las que hemos podido pensar es: «¿Cuál es la relación entre el conocimiento indígena y la ciencia occidental?» Me gusta el hecho de que, mientras algunas de las exposiciones miran al pasado ancestral, otras miran hacia un futuro indígena.

“La crisis climática ha creado un reconocimiento de cuánto necesitamos aprender de la tecnología autóctona. Particularmente aquí en California, los científicos están recurriendo a las comunidades indígenas para comprender cosas como las quemas culturales, las quemas rituales destinadas a controlar el fuego, saber cuándo reducirlo y cuándo dejar que continúe el crecimiento. Es muy humillante”.

Ella cita las palabras de la artista Cannupa Hanska Luger, radicada en Nuevo México: “Él dice: ‘La gente está tratando de descubrir cómo vivir un presente distópico, bueno, mírennos, hemos estado viviendo su distopía durante bastante tiempo. ¡Hace mucho tiempo! Somos nosotros los que podemos imaginar un futuro diferente’”.

La vertiginosa variedad de puntos de vista en Arte PST es una opción inteligente para Los Ángeles. Es difícil imaginar cualquier otra ciudad en el mundo que pueda lograrlo con tanto entusiasmo. Katherine Fleming, presidenta y directora ejecutiva de J Paul Getty Trust, hablando en su lanzamiento formal, llegó incluso a comparar la ciudad con “la Viena de fin de siglo o la Atenas de Pericles” en su capacidad para capturar el momento cultural de la Siglo XXI. También anunció que el evento, ahora en su tercera encarnación luego de series similares de espectáculos en 2011 y 2017, se convertirá en un evento regular que se celebrará cada cinco años.

Las celebraciones de apertura concluyeron en el Coliseo de Los Ángeles con un impresionante espectáculo de fuegos artificiales en cinco actos ideado por el pirotécnico chino Cai Guo-Qiang, con la ayuda de inteligencia artificial que impulsa más de 1.000 drones aéreos. El artista hizo un continuo comentario sobre el espectáculo que terminó con dos atronadores estallidos de “ira divina”. “Los seres humanos siempre vacilan entre el miedo y la esperanza de salvación, coexistiendo el coraje y la inquietud, la determinación y la duda”, recitó. «Este es el estado actual de nuestra exploración de la IA».

Podría haberse descrito como arte, ciencia o ambas cosas; pero la colisión de las dos culturas que finalmente se encontraron fue palpable en kilómetros a la redonda.

Detalles de las exposiciones en pst.art

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