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Una pirueta de flores de Manacá rosa en sus pétalos, una montaña se eleva luego se inclina en el contorno de una cabeza y hombros azules, y, aunque es amplia luz del día, una puesta de sol mira desde un monstruoso cactus. En 1928, el año en que Tarsila hace Amaral (conocido simplemente como Tarsila) pintó formas estilizadas bailando alrededor de una piscina vidriosa en el «lago», el arte moderno brasileño llegó a la mayoría de edad. Su paisaje realista mágico es la imagen del póster para el tónico invernal de una exposición de la Royal Academy ¡Brasil! ¡Brasil! El nacimiento del modernismopresentando 10 artistas de dos generaciones, nacidos en 1880-1920s.
Se siente como el verano aquí. El paisaje de la jungla caliente de Lasar Segall «Boy With Geckos» (1924), las pancartas callejeras de Alfredo Volpi «Fachade» (1963) y «Flags and Poles», Candido Portinari Fantasmy Buskers que giran una vivienda de tragamonedas en cubos luminosos «Favela con musicianos» (1957 de 1957. ), son típicos de las pinturas, que abarcan la figuración influenciada por la abstracción, la calidez radiante, la luz y el ingenio. El espectáculo, organizado como exhibición de artistas individuales, presenta algunos de los pintores más exuberantes de América Latina, y está ligeramente curado, refrescantemente libre de política y jerga a pesar de que depende de una narrativa poscolonial.
De diferentes maneras, cada artista reflexionó sobre la pregunta planteada por el esposo de Tarsila, el poeta Oswald de Andrade, en su «manifiesto caníbal» de 1928, exigiendo que sus compatriotas engullen el arte europeo para escupir algo recién brasileño. «¿Tupi o no Tupi?» Andrade preguntó: ¿Podría un mestiço La nación desechan el colonialismo y crea una cultura basada en el patrimonio de los pueblos indígenas de habla tupi, la ascendencia africana traída por la esclavitud y los colonos portugueses, fusionados con la emoción de la vanguardia de Europa?
La amiga de Andrade, Anita Malfatti, pintó «Retrato de Oswald» (1925), la poeta como una marca de fuego puntiaguda a quien podrías conocer en un café de Berlín anterior a la guerra. Se brilla en la entrada del espectáculo, declarando a Malfatti como el pionero que, después de estudiar en Alemania, trajo expresionismo a São Paulo en 1916 con «Hombre de siete colores», una figura amarilla-verde-superficie que crecía de la vegetación de la jungla.
Tarsila, una heredera de café nacida en 1886, dos años antes de que Brasil aboliera la esclavitud, fue más audaz. Se fue a París en 1920 y regresó para pintar a la «mujer negra» desnuda seminal (1923): labios gruesos exagerados disparando en la cara, un solo seno caído, un cuerpo pesado simplificado, que muestra el impacto de su maestra Fernand Léger. El boceto preliminar se muestra aquí. El modelo fue uno de los sirvientes de Tarsila, y hoy se lee como distorsión racista; De hecho, fue emancipatorio, reclamando la identidad afro-brazila para un nuevo arte nacional que desafía el academismo colonialista.
La experiencia europea era indispensable, pero transformada al alcanzar el suelo brasileño. La «Hill Favela» de Tarsila (1924) aplica las formas gruesas de Léger, los tonos brillantes y la perspectiva plana para representar una ciudad de Río Starly poblada por figuras negras seguras y alegre. El «bananal» de Segall (1927) es una plantación de plátano cubista cuyas hojas parpadeantes y fracturadas enmarcan la cara de un trabajador brasileño que se asemeja a una máscara africana, el tipo de esculturas «primitivistas» que habían hipnotizado a los artistas con quienes Segall entrenó en Dresden. «Bananal», comprado por la ciudad de São Paulo en 1928, fue la primera pintura modernista comprada por el estado brasileño.
El inmigrante lituano Segall llegó a São Paulo en 1923, lleno de esperanza. «Me vi transportado bajo un sol deslumbrante, cuyos rayos iluminaban a las personas y objetos», escribió. “Todo parecía dar la impresión de pulsos de luz radiantes. Vi tierra púrpura, tierra roja de ladrillo, tierra casi negra, una lujosa vegetación que se desborda en fantásticas formas decorativas «. «Luz que se refleja en el bosque» (1954), sus rayas verticales de modulaciones de color sutiles perforan las profundidades oscuras para insinuar formas pulsantes misteriosas entre los densos Campos hacen Jordão Pines, vibra como una escultura metálica abstracta que se balanceaba en el viento.
Los tropos tropicales sustentan la expresión moderna de innumerables maneras inesperadas. Portinari el realista social – “Soy un hijo de la tierra roja. Decidí pintar la realidad brasileña, desnuda y cruda como es ”, simplifica el paisaje y las figuras en una especie de grotesca. «Coffee Agricultural Worker» (1934) es un gigante con pies y manos de gran tamaño, escrutinales en un paisaje negro de color negro, «migrantes» (1944) un friso de figuras esqueléticas macabras rodeadas por buitres.
Flávio de Carvalho pintó «Nuestra Señora del Desire» (1955), una fashionista con blusa rayada y falda plisada deconstruida en formas abstractas multihuidas; Luego, adornado con un disfraz similar que llamó «nuevo aspecto», desfiló a través de São Paulo por su extraña actuación «Experência n 3». Una fotografía muestra esta protesta por las normas coloniales y de género de vestimenta europea. Carvalho es el anarquista del espectáculo; Sus formas biomórficas se torcieron en figuras humanas animales salpicadas de grandes ojos penetrantes («retrato ancestral», «Ascensión final de Cristo» (ambas 1932)) son tan gloriosamente extraños como las invenciones de Miró y Dalí.
No por casi una década, ya que Pintar el jardín moderno En 2016: las suntuosas galerías principales de Burlington House parecían tan resplandecientes y sorprendentes como ahora. Aunque la calidad del trabajo varía (las imágenes fórmulas fórmulas de Djanira son el punto bajo, un diseño teatral fuerte de paredes amarillas, rosadas o azules, grandes asientos de forma geométrica de funky y gráficos deco ayuda a los hilos dispares. Como en el espectáculo del jardín, el tema amplio optimista es el crecimiento y la renovación, y el poder de las raíces culturales.
Los artistas abstractos miran especialmente muy atrás. La «Composición Indígena» (1922) de Vicente do Rego Monteiro imita los diseños de la cerámica de la Marajoara Precolonial. Rubem Valentim transforma los símbolos de las deidades de Candomblé afro-brazilia en el lenguaje de la abstracción geométrica en su monumental serie de tótem «Emblemas» y «objetos emblemáticos».
El programa termina con las relucientes abstracciones fotográficas de Geraldo de Barros: su serie «FotoForma» (1946-51) utiliza múltiples exposiciones, imágenes rotadas, hermosos arabescos: «Abstracción (São Paulo)» (1949), «Sin título, Pampulha, Belo Horizonte» (1951), una abstracción de un proyecto de Oscar Niemeyer, para crónica de la urbanización exponencial de Brasil. Barros es el vínculo con el futuro de Brasil: Lygia Clark y Hélio Oiticica’s Arte Concretomás allá del alcance aquí, aunque el elemento humano salta en su trabajo. Con reminiscencias de los rostros de Klee, «Homenagem a Paul Klee» (1949) es una cara formada por la pintura excesiva de los agujeros, abrasiones y puntajes en un negativo que representa un viejo muro del cementerio.
¡Brasil! ¡Brasil! Llega a Londres desde el Zentrum Paul Klee de Berna, y también conmemora el RA de 1944 Exposición de pinturas brasileñas modernasuna empresa diplomática en tiempos de guerra que provocó poca curiosidad. El modernismo brasileño sigue siendo desconocido, aunque eso está cambiando: este espectáculo monta una ola de interés global reciente, iniciado por la retrospectiva de Tarsila 2018 de MOMA y consolidado por Adriano Pedrosa ‘s excelente exhibición en el año pasado Bienal de Venecia.
Los temas del movimiento de hibridación y metamorfosis apelan hoy, al igual que sus poderosas artistas femeninas. Las mujeres rara vez han sido pioneras en revoluciones de arte, pero los papeles principales de Malfatti y particularmente de Tarsila son incontrovertibles: la figura surrealista de Tarsila «Abaporu» (1928, «hombre que come carne humana» en Tupi; no en el programa) provocó el histórico «manifiesto caníbal» de Andrade. La actual exposición de giras de Tarsila (París luego Bilbao) priva la raza de obras clave, pero aún así sus pinturas visionarias cantan y sorpresa, como mucho en esta alegre exposición.
Al 21 de abril, Royalacademy.org.uk
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